The Shadows

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ImagenThe Shadows
Todos los midis The Shadows. Aún está en internet . INteresantisimo.
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Sensacional grupo instrumental inglés, surgido en los primeros años 60, que además de sus inolvidables canciones, contenían al magnífico y muy infravalorado guitarrista Hank B. Marvin.

La formación original de la banda estaba compuesta por: Hank B. Marvin a la guitarra, Bruce Welch, guitarra, Jet Harris al bajo y Tony Meehan a la batería.

En 1958, Marvin y Welch formaron parte del grupo de acompañamiento de Cliff Richard: The Drifters. La formación del grupo se consolidó y cambiaron su nombre a The Shadows para evitar cualquier confusión con el grupo estadounidense Drifters.
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El grupo continuó trabajando con Richard, pero en 1959 comenzaron a grabar independientemente. En 1960, en una gira británica, Jerry Lordan (artista de la misma gira) les dió un tema instrumental suyo. La versión de los Shadows alcanzó el número 1 en julio de 1960; la canción era el inolvidable clásico “Apache”.

Este exito estableció la pauta para los exitos instrumentales que se mantuvo hasta la era psicodélica de 1966-67. La formula era muy sencilla: la guitarra de Marvin proporcionaba la melodía y los demás agregaban el fondo.

Tan arreglada, se podría decir que la música de los Shadows era clínica.Sin embargo, fué un ejemplo para miles de jóvenes músicos, especialmente guitarristas. La imagen de los Shadows consistía en trajes iguales y una calma relajada; la furia de las eras del beat y el R&B fué una reacción a su pulcritud uniforme.

Durante este periodo hubo varios cambios en la formación. En 1961 Meehan se marchó, siendo reemplazado por Brian Bennet y después, un año mas tarde, Harris se fué para formar un duo con Meehan. Harris sería sustituido primero por Brian Locking y mas tarde por John Rostill.

Los exitos de los Shadows fueron constantes durante los primeros años 60 en inglaterra, además de “Apache”, sus exitos fueron “Man of Mystery” (número 5) en 1960, “F.B.I” (número 6), “Frightened City” (número 3), “Kon Tiki” (número 1), “The Savage” (número 10); todos estos en 1961. En 1962 triunfan con “Wonderful Land” (número 1),”Guitar Tango” (número 4), y “Dance On” (número 1); en 1963 “Foot Tapper” (número 1), “Atlantis” (número 2) y “Shindig” (número 6); sus últimos exitos en los 60 serian “The Rise and Fall of Flingle Bunt” (número 5 en 1964) y “Don’t Make my Baby Blue” (número 10 en 1965).

En 1968 el grupo dejó de existir y en los 70 los miembros del grupo se interesaron por otras actividades musicales; pero a finales de la década de los 70, el grupo vuelve otra vez al candelero con los temas “Don’t Cry for me Argentina” y “Theme from Deer Hunter” que alcanzan los puestos 5 y 9 en listas, respectivamente.

Aunque su música no ha ejercido una gran influencia, hay pocos guitarristas que toquen como Hank Marvin. Los shadows animaron a una generación de jóvenes a dedicarse a la música. Muchos guitarristas actuales citan a Marvin como su primer ídolo; y lo que queda claro es que un grupo como los Shadows no tiene fecha de caducidad.


Canciones Recomendadas: Apache / Concierto de Aranjuez / Man of Mystery / FBI / Frigtened City / Kon Tiki / The Savage / Wonderful Land / Guitar Tango / Dance On / Foot Taper / Atlantis / Shindig / The Rise and Fall of Flingle Bunt / Don’t Make my Baby Blue / Don’t Cry for me Argentina / Geronimo / The Boys / The Stranger / 36-24-36 / All Day / Mustang / A Place in the Sun.

Duke Ellington

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Duke Ellington 


Duke Ellington en el Hurricane Club (1943)Duke Ellington (Edward Kennedy Ellington; Washington D.C., 1899 – Nueva York, 1974) Pianista, compositor, arreglista y líder de grupo de jazz estadounidense. Se inició en la práctica musical tomando clases de piano a los siete años. Ya en sus comienzos recibió la influencia del ragtime, género de música popular en boga en aquella época y uno de los estilos de los que derivaría el jazz. Con sólo diecisiete años debutó profesionalmente en su ciudad natal. Desde 1919 tocó con varios grupos de la capital estadounidense hasta que en 1922 fue llamado para actuar en Nueva York, el punto de referencia para todo músico de jazz. Aunque no logró triunfar, adquirió la experiencia necesaria para formar su propio quinteto, The Washingtonians, con los que adquirió renombre suficiente como para realizar unas pruebas en el celebérrimo local neoyorquino Cotton Club, en Harlem. A partir de ese momento, su fama y su prestigio se fueron consolidando; las emisiones radiofónicas de sus conciertos se hicieron habituales y las apariciones de Duke Ellington and The Washingtonians en diversas películas, junto a las diversas giras que realizó por Estados Unidos y Europa, contribuyeron a fomentar su creciente popularidad. El quinteto original fue incorporando nuevos miembros, hasta completar un total de doce en sus primeras apariciones en el Cotton Club. A principios de los años 1930, composiciones como Mood Indigo (1930) o Sophisticated lady (1933) se convirtieron en grandes éxitos y marcaron el inicio de la época dorada para el músico y su big band. Hacia el fin de la Segunda Guerra Mundial, abordó la composición de obras de mayor aliento temático y formal, por lo común en forma de suites sinfónicas, como Black, brown and beige (1944), Frankie and Johnnie (1945) o Deep South Suite (1946). Pero en esa misma época el formato de gran orquesta dejó de gustar a un público que, inmerso en la revolución bop, se decantaba por formaciones más reducidas y con mayor peso de un instrumento solista. A pesar de ello, Duke Ellington decidió permanecer fiel a los que siempre fueron su estilo y su manera de entender la música, e incluso aumentó aún más el nivel de exigencia de los componentes de su formación, entre los que se contaron a lo largo de los años figuras como el trompetista Cootie Williams o el saxofonista Johnny Hodges. Su aparición en el Festival de Jazz de Newport en 1956 significó el relanzamiento de The Washingtonians, con los que inició una serie de giras por el extranjero que incrementaron su ya considerable fama internacional. En 1959 se adentró en el campo de la música cinematográfica y compuso la banda sonora de los filmes Anatomy of a murder (Anatomía de un asesinato), primero, y Paris Blues (Un día volveré), un año después. Durante la década de 1960 grabó con una larga serie de jóvenes músicos de gran talento como Charlie Mingus, John Coltrane o Max Roach. Simultáneamente empezó a interesarse por la música litúrgica y compuso piezas como In the beggining of God, que fue estrenada en la catedral de San Francisco en 1965. Permaneció al frente de su orquesta hasta su fallecimiento, momento en el cual tomó el relevo su hijo Mercer Ellington. En su haber quedan numerosos reconocimientos, de entre los que sobresalen los títulos de Doctor Honoris Causa por las Universidades de Howard en 1963 y Yale en 1967, además de la Medalla Presidencial del Honor que se le concedió en 1969. Fue nombrado así mismo miembro del Instituto Nacional de las Artes y las Letras de Estados Unidos en 1970, y en 1971 se convirtió en el primer músico de jazz miembro de la Real Academia de la Música de Estocolmo. Según su biógrafo, Derek Jewell, Duke Ellington llegó a escribir unas 2 000 piezas musicales en toda su vida, si bien son incontables las que créo en trozos de papel luego perdidos, que elevarían la estimación a unas 5.000 piezas. 


Discografia 


Early Ellington (1927-1934) 
Jungle Nights in Harlem (1927-1932) 
First Time The Count Meets the Duke : Un monumento al Swing 
Black, Brown and Beige 
Duke and Coltrane :El Duke con el saxofonista. 
Piano Reflections: Ellington con su orquesta. 
And his Mother Called him Bill :Una de las mejores composiciones. 
This one´s for Blanton : obra maestra 
Money Jungle : con Max Roach y Charles Mingus. 
The Great Paris Concert.

Glen Miller

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Carrera musical 


Glen Miller nació en Clarinda , Iowa en 1904. Durante los años 30 trabajó tocando el trombón de varas en varias bandas, ante de formar su propia banda en 1936, aunque no consiguió destacar entre las muchas otras de la época. De vuelta a Nueva York tras la ruptura de la formación, se dio cuenta de que el sonido peculiar de las maderas de su banda, con el clarinete y el saxofón tenor tocando la melodía, con otros saxofones en armonía, se podría recalcar, y que ese sonido le podría distinguir del resto de las bandas. 


Éxitos 
Formó una segunda banda en 1937, que consiguió rápidamente el favor del público, que llenaba sus conciertos, lo que dio lugar a una serie de grabaciones. Desde junio de 1938 Miller dominó los primeros puestos de varias listas de música popular, y se mantuvo así más de una año. A principios de 1940 “In the Mood” estuvo quince semanas consecutivas de número uno, y siguió “Tuxedo Junction” que mantuvo a Miller en el número 1 hasta el verano. El 11 de febrero de 1941 se le otorgó a Miller el primer disco de oro por “Chattanooga Choo Choo”. 


Otros títulos conocidos son “A String of Pearls”, “Moonlight Serenade” y “Pensilvania 6-5000” (que era y sigue siendo el número de teléfono del Hotel Pensilvania en Manhattan). La “Serenata a la luz de la Luna” (Moonlight Serenade) es una de las canciones más reproducidas de toda la historia en EEUU, y actualmente está considerada como LA canción representativa de Miller, y como una de las canciones más importantes de la historia musical de EEUU. 


En 1942, durante la Segunda Guerra Mundial, Miller se alistó en las fuerzas aéreas donde recibió el rango de capitán y donde se encargó de tocar para las tropas estadounidenses desplazadas a Europa. 


Innovación 
Glenn Miller es famoso por sus especiales configuraciones de la sección de viento en su big band, aparte de sus adaptaciones de jazz y blues tradicional (como por ejemplo St. Louis Blues) con ritmos de marcha militar. 


Muerte y misterio 
El 15 de diciembre de 1944, mientras volaba de Inglaterra a París, para dar un concierto en homenaje a los soldados que habían liberado la ciudad, su avión desapareció. Como nunca se encontró el cuerpo de Miller, hubo una serie de leyendas que le suponían vivo (similares pero anteriores a las teorías de que Elvis Presley no ha muerto, etc.) 

Uno de los rumores más persistentes es el de que murió en un burdel alemán, apuñalado por una prostituta, aunque esta historia, que se supone desclasificada con muchos otros secretos de guerra, nunca se ha podido confirmar. 

En abril de 1992, a petición de su hija, se puso una lápida en el Cementerio nacional de Arlington. 

Película 
En 1953, Anthony Mann rodó la película biográfica “The Glenn Miller Story”, cuyo título en España fue “Música y Lágrimas”, en la que James Stewart interpretaba a Glenn Miller.

Joe “King” Oliver

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Escuchando los principios del Jazz

01/01/85 Nace Joe “King” Oliver en una plantación cerca de Donaldsville al sur de Baton Rouge (Louisiana). Joe Oliver fue el primer solista en la historia del jazz cuando grabó “Dippermoucht Blues” en 1923 con su Creole Jazz Band.

Joe “King” Oliver, leyenda de la primera época del jazz, fue un gran músico. Nacido en una plantación al sur de Baton Rouge, llegó a New Orleáns siendo aun muy pequeño. Huérfano de madre desde niño, se educa en Nueva Orleáns guiado por su hermanastra Victoria Davis.

Ya en la adolescencia comienza dedicarse a la música y tocando en las mas celebres orquestas de la ciudad, entre ellas la “Olympia Band” de la que era estrella Freddie Keppard, la “Onward Brass Band” y algunas otras. Sin embargo, las condiciones económicas no le permitían dedicarse exclusivamente a la música, y la compaginaba con otros trabajos en oficios destinados a los negros. De vez en cuando tocaba con otras bandas en bailes y funerales y una vez llegó a Baton Rouge. Tocó por las calles de la ciudad y en los locales del barrio de Storyville. Gracias a su marcado estilo se gana el sobrenombre de King, pero también se le conoció como “Tenderfoot”, debido a los callos que tenía en los pies.

En 1918 se traslada a Chicago para unirse a la banda “Los jardines Reales de Chicago”. En esta ciudad siguió uniéndose a otras bandas como la “Dreamland Café”, liderada por Lawrence Duhe. Al comienzo de la década de los años veinte monta su propia formación, la “Creole Jazz Band”. Con ella realizó las primeras grabaciones determinantes de la historia del jazz, inaugurando una genealogía que continuará, años mas tarde, en los “Hot Five” y “Hot Seven” de Louis Armstrong, las grabaciones de Jelly Roll Morton con los “Red Hot Peppers”, los discos de 1945 de Charlie Parker y Dizzy Gillespie, las doce tomas del “Noneto Capitol” de Miles Davis, etc, etc. Las grabaciones de Oliver para las marcas, Gennett, Paramount, Okeh y Columbia, son el verdadero origen de la estirpe jazzistica. La “Creole Jazz Band” estableció cuando grabó “Chimes Blues”; “Canal Street Blues” “Snake Rag” o “Dippermouth Blues” el modelo standar para todos los grupos de jazz que no basan su eficacia en la expresión individual sino una suma conquistada a través del equilibrio del grupo.

En 1927, una vez que sus mejores solistas se fueron de la orquesta, Armstrong entre ellos, Oliver se mudó a New York contratado por la famosa sala de baile “Savoy Ballroom” después de desaprovechar la mejor oportunidad de su vida al rechazar un contrato de trabajo en el Cotton Club, que en su lugar contrató a un desconocido por entonces, Duke Ellington. El crack del 29, la crisis económica, la escasez de trabajo y el cambio en los gustos del publico, fueron llevando a Joe “King” Oliver a un estado depresivo, que fue agravado por una enfermedad letal para un músico: la piorrea. Imposibilitado para tocar la corneta, viendo como su discípulo, Louis Armstrong, le superaba en efectividad y en estilo, humillado hasta el punto de tener que trabajar quince horas al día limpiando una sala de billares con un salario de hambre, Oliver sufrió un derrame cerebral y a su muerte no hubo dinero ni para cubrir su tumba con una lápida.

Fuentes: Apoloybaco. Ir a la página

Daniel Barenboim

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Daniel
Barenboim

(Israel, 1942)

Director
y pianista de fama internacional. Nació en Argentina, aunque más tarde adquirió
la nacionalidad israelí. En los primeros años se criticó su falta de autocontrol
pero con el paso del tiempo se ha convertido en uno de los principales
directores de orquesta mundiales así como en un magnífico pianista. Hijo de
profesores de piano, hizo su debut en Buenos Aires a los siete años. Más tarde
se trasladó con su familia a Europa, donde actuó en 1951 en el Mozarteum de
Salzburgo. Estudió dirección en esta ciudad, así como composición en Roma.
Finalmente, él y su familia se establecieron en Israel. En 1955 actuó por
primera vez en Gran Bretaña y en 1957 en Estados Unidos. Debutó como director de
orquesta en Israel en 1962. Desde entonces ha combinado las dos actividades.
Desde finales de los años sesenta ha trabajado con la English Chamber Orchestra,
la Orquesta Sinfónica de Londres, la Orquesta Filarmónica de Nueva York, la
Orquesta de París y la Orquesta Filarmónica de Berlín. Durante los años setenta
dirigió varios festivales de música e incluyó varias óperas dentro de su
repertorio como director. Ha colaborado, bien como acompañante o como director,
con figuras del prestigio de Arthur Rubinstein, Janet Baker, Itzhak Perlman y
Jacqueline du Pré, entre otras. En 1967 contrajo matrimonio con ésta última. Es
reconocido por sus interpretaciones de las obras pertenecientes a los periodos
clásico y romántico. Su repertorio como pianista no es extenso: incluye obras de
Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven, (de quien grabó la
integral de las 32 sonatas), Johannes Brahms y Frédéric Chopin.
Como director, su repertorio abarca un ámbito mayor: Johann Sebastian
Bach
, compositores franceses, Anton Bruckner, Piotr Illich
Tchaikovsky
y Eduard Elgar. Es especialmente valorado como director
de la música de Richard Wagner.  

Fuentes , gentileza de: Interpretes

Juan del Encina

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Con gran capacidad para la conjugación de ritmos y expresión hace de sus obras musicales un monumento al mundo popular y un ejemplo de sencillez estilística.
Poeta y músico que provoca opiniones encontradas entre los musicólogos, representa el contrapunto popular al arte de los grandes polifonistas religiosos contemporáneos. Nacido en Salamanca, tal vez estudió música en esta ciudad, donde obtuvo el bachillerato en Derecho Civil. Después de haber sido cantor en la catedral de su ciudad y paje del obispo don Gutierre de Toledo, en 1492 entró al servicio del duque de Alba, a quien sirvió y para quien compuso hasta 1498. Posteriormente marchó a Roma, donde estuvo al servicio de los papas Alejandro VI y Julio II , quienes le beneficiaron con varios cargos eclesiásticos, aún sin haber recibido órdenes. En 1519 se ordena sacerdote y marcha a Jerusalén , donde celebra su primera Misa. Nombrado por León X prior de la Catedral de León, se traslada a esta ciudad en 1523 , donde muere en 1530.
Los villancicos se puden distinguir en dos categorías : sagrados generalmente en tonalidad menor y profanos que constituyen el mayoe número.

  • Los villancicos profanos de Juan del Encina son los que más aceptación han tenido entre sus intérpretes y pueden a su vez dividirse en varios grupos:
  • Villancicos de desventuras : Más vale trocar; Pues amas triste amador; Pues que mi triste penar.
  • Jocosos : Hoy comamos y bebamos; Cu,cu, ambos con temas amorosos o de la vida cotidiana.

Aparte de su amplia produción literaria, poesís y teatro, se conservan, con atribución segura , sesenta y una pieza musicales, muchas de ellas destinadas a ser interpretadas al finalizar sus obras de teatro. Formalmente , sólo utiñliza el romance, seis ejemplos, la canción, cuatro ejemplos, y el villancico el resto.
Fuentes : Historia de la musica , Marie Claire Beltrando

Obra completa de Juan del Encina

Cancionero de Juan del Enzinaa>


Sitio con partituras y sonido de Juan del Enzina

Mahler

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Mahler nació en Kaliste, Bohemia, en 1860. Fue el segundo de quince hermanos, nueve de los cuales murieron durante la infancia. esto tendría un efecto decisivo en la personalidad y la obra de Mahler, a quien la muerte pareció perseguir durante toda su vida.

Su padre, un posadero judío, tenía reputación de violento. Solía agredir a su mujer e hijos. Sin embargo, era un hombre que comprendía la belleza del arte, por lo que no vaciló en incentivar el incipiente talento musical de su hijo. Para ello lo inscribió en el coro de la iglesia de Jihlava, ciudad a la que la familia se había trasladado. Luego realizó estudios en Praga y posteriormente fue enviado al Conservatorio de Viena, en donde compuso algunas obras, las cuales no han llegado a nuestros días, con excepción de la que se considera su primera composición: el Cuarteto para Piano.

A la edad de 20 años, participó en un concurso de composición con su cantata Das klagende Lied (Canción del lamento). Contaba con ganar el concurso para así poder mantenerse con el dinero del premio por algunos años y así poder dedicarse exclusivamente a componer. Sin embargo, no ganó, por lo que se vió obligado a iniciar una carrera como director para poder sobrevivir.

Se desempeñó como director en varios teatros de ópera de mediana importancia, tales como Praga, Budapest (en donde aprovechó de estrenar su Primera Sinfonía) y Hamburgo .En 1897, le fue ofrecido el puesto de Kapellmeister de la Ópera de la Corte de Viena, pero se le exigió convertirse al Catolicismo. Si bien Mahler era judío, era agnóstico por convicción, y sentía que el hecho de ser judío le impedía escalar socialmente. Solía decir: “Soy tres veces extranjero: un bohemio entre austríacos; un austríaco entre alemanes, y un judío ante el mundo”. Por eso no tuvo reparos en renegar del judaísmo sin titubear. Conocida es la historia en que al salir de la iglesia en que había sido bautizado, se encontró con un conocido. Éste, suponiendo que Mahler se había bautizado le preguntó: “¿Qué has hecho?”, a lo que el compositor contestó: “Acabo de cambiarme el abrigo”, insinuando que su cambio fue sólo superficial y motivado por el deseo de obtener el puesto de director de la Ópera de Viena. Durante toda su vida Mahler fue un ferviente agnóstico, ya que, si bien creía en Dios, nunca aceptó los postulados de religión alguna, aunque al final de su vida demostró cierto interés en el budismo. 

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DSaniel Barenboin. Sonatas Beethoven

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Daniel Barenboim
Sonatas de Beethoven-

Una, dos, hasta tres veces se ha atrevido Daniel Barenboim a grabar la Integral de sonatas de Beethoven, una obra que está considerada una de las más revolucionarias de la historia de la música e impulsora del piano moderno. La entrega de ahora fue grabada en vivo hace dos años a lo largo de ocho conciertos celebrados en la Staatsoper de Berlín -teatro del que es director artístico-, entre el 17 de junio y el 6 de julio de 2005. Tras salir a la venta en todo el mundo en febrero, el público español podrá disfrutar de ellas a partir de abril. El cofre (editado por EMI) está compuesto de cuatro DVD, a los que se han incorporado otros dos que incluyen las clases magistrales impartidas por Barenboim ese mismo año en Chicago a jóvenes talentos del teclado como Shai Wosner, Alessio Bax, Jonathan Biss, David Kadouch, Saleem Abboud Ashkar, Lang Lang y el español Javier Perianes (ésta sólo se distribuirá en España).

Barenboim hace una visita relámpago a Madrid para ponerse al frente de la Filarmónica de Viena en dos conciertos, dentro del ciclo Ibermúsica. El compositor reniega de posibles diferencias entre ésta y su anterior grabación, realizada en los años 80. «A lo mejor lo hago peor ahora -bromea-. No se puede decir que he cambiado en esto o lo otro. No hay una interpretación definitiva de nada.

Cada obra maestra de música contiene más posibilidades de las que se pueden realizar en una ejecución. Nosotros, todos, tanto los oyentes como los intérpretes, buscamos la versión definitiva, y ésa no existe porque siempre estamos en un proceso de aprender, de saber un poco más». «A la vez que yo toco estas sonatas -continúa-, que llevo interpretando más de 50 años, aprendo algo. Y lo extraordinario de la música es que hoy sé un poco más que ayer, pero lo que he hecho ayer ya no está, porque el sonido es efímero. Por eso es muy difícil articular en qué forma uno cambia, pero espero haber aprendido ciertas cosas».

La primera Integral la grabó Barenboim con tan sólo 24 años, y ya entonces marcó una referencia. Hay quienes destacan en ella un punto de rebeldía frente a la segunda, registrada en la cuarentena. Ahora, con sesenta y cinco años, confiesa sentirse «muy joven. Y no creo que esté interpretando la música mirando hacia atrás».

El pianista y director de orquesta comenzó a tocar al compositor alemán con apenas ocho años, y ya a los diecisiete se atrevió con las 32 sonatas completas. Toda una hazaña. «Beethoven es un compositor que me ha acompañado toda la vida», confiesa.

Sin embargo, otros muchos intérpretes, grandes nombres del teclado, no se han atrevido nunca con ellas, y quienes lo hacen, prefieren esperar a la madurez para entender la complejidad del compositor. «Hay algunos que no deberían atreverse nunca», bromea.

Fuentes: Daniel Barenboin

Schütz, Heinrich

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Página donde encontrarás muchas obras de este autor, en pdf, y para poderlas escuchar.

Heinrich Schütz

Una rápida mirada al retrato de Heinrich Schütz (1585-1672) nos sirve para adivinar la melancolía y la tristeza que rodeó la vida de tan insigne maestro. Efectivamente, la vida de Schütz no fue un regazo de alegrías y placeres sino un cúmulo de tristezas y desgracias que sin duda modelaron la personalidad del maestro y condicionaron su creación musical. Nacido en Köstricht (Turingia) en 1585 y tras un inicio musical a la sombra de Morizt de Hesse, viajó a Venecia donde contactaría y trabajaría a la sombra de uno de los maestros más significativos de la cristiandad latina de la época: Giovanni Gabrieli, de quien fue su alumno favorito. Bajo la protección y enseñanza de Gabrieli y la majestuosidad de la música creada por este insigne italiano, Schütz vivió una parte de sus más intensos años desde la perspectiva musical (1609-1613). Posteriormente regresaría Italia una década después interesado por las tendencias musicales que estaba popularizando Claudio Monteverdi donde, además, contactó con Alessandro Grandi, vicemaestre de la capilla ducal.

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Infanticos del Pilar.

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Está formada por una treintena de voces blancas de niños entre 7 y 12 años. Atienden a la parte musical de la Basíca y son educados -musical y académicamente- con gran esmero.

Residen en régimen de internado en un colegio junto a la Basíca, en la calle Jardiel, bajo el cuidado de las Hnas. de la Caridad de Santa Ana. El colegio cuenta con un numeroso elenco de profesores de música y canto y de humanidades y ciencias.

Cursan todos el solfeo, y bastantes estudian piano o violín. La Escolanía data del siglo XIII, pero en su estructura actual, dirigida por el Cabildo, funciona desde el siglo xvili.

Es en la actualidad Director del Colegio de Infantes el M. I. Sr. D. lsidoro de Miguel, Canónigo Archivero: Director de la Escolanía el también canónigo M. 1. Sr. D. Roberto Gracia Alcaine, Director Técnico de educación musical D. Luis A. Bellido del Conservatorio de Música Santa María de Zaragoza y Jefe de estudios la Hna. María Luisa Garrido de la Caridad de Santa Ana.

El Colegio que es de los llamados concertados es costeado en su casi totalidad por el cabildo, ayudado por algunas subvenciones, entre ellas la de la entidad de Crédito y Ahorro Ibercaja.

Javier Artigas Pina

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Nacido en Zaragoza, comienza sus estudios musicales a temprana edad, en la Escolanía de Infantes de Nuestra Señora del Pilar de Zaragoza, de la cual fue niño cantor, bajo la tutela y orientación de José Vicente González Valle, quien influirá decisivamente en su educación musical.

Posteriormente continúa en el Conservatorio de su ciudad natal donde cursa las carreras de piano, órgano y clavicémbalo, estas dos últimas bajo la dirección del maestro aragonés José Luis González Uriol. Obtiene el Premio Extraordinario Fin de Carrera por unanimidad del tribunal en la especialidad de órgano.

Tras finalizar sus estudios se traslada a Barcelona para realizar estudios de perfeccionamiento con Montserrat Torrent, habiendo realizado diversos cursos de perfeccionamiento con destacados especialistas como M. Radulescu, M. C. Alain, L. Rogg, F. H. Houbard, etc.
Ofrece regularmente conciertos por España, Europa y Asia, en los ciclos más importantes dedicados al órgano y al clave. Su presencia es requerida frecuentemente para la inauguración de diversos instrumentos, tanto de nueva construcción como en el caso de restauraciones de instrumentos históricos. Ha realizado grabaciones para RNE, Radio Clásica y RTVE. Asimismo forma parte del ensemble de instrumentos históricos de viento Ministriles de Marsias. Ha realizado varias grabaciones para diferentes discos, entre los que destacan sus recientes registros solistas, como el realizado para Prames LCD, Música para los Tapices de La Seo, el encargado por la revista alemana Organ (con una selección de música histórica española en instrumentos originales), el titulado Tañer con Arte, con obras de los grandes teóricos de la música española renacentista y barroca para la colección organística que patrocina la Institución Fernando el Católico. Asimismo imparte diferentes cursos y conferencias por distintas Universidades y centros educativos musicales españoles, entre los que destaca el internacionalmente reconocido Curso de Música Antigua de Daroca. Asimismo es invitado a formar parte de diferentes jurados internacionales.
Desde 1997 es asesor de la Dirección General de Cultura y Patrimonio Histórico para la restauración y conservación de los órganos históricos de la Comunidad Autónoma de la Región de Murcia, miembro del Consejo Asesor de la Revista de Musicología Nassarre y de la Sección de Música de la Institución Fernando el Católico. Director Técnico de las Jornadas Internacionales de Órgano de Zaragoza, coordina asimismo el Festival de Música Antigua de Daroca.
Ha sido director del Conservatorio Superior de Música de Murcia, centro en el que actualmente sigue realizando su labor docente como Jefe del Departamento de Música Antigua y catedrático numerario de órgano y clave.

Fuente:Goldberg