Armaduras

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Armadura de clave

La armadura de clave o armadura de tonalidad es el conjunto de alteraciones ( sostenido, bemoles)
 que escritas sobre el pentagrama sitúan una frase musical en una tonalidad específica. Las alteraciones se escriben
 en un orden concreto: para los sostenidos, fadosolrelami y si; y para los bemoles, similaresoldofa
es decir, el inverso.

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  • CICLO DE QUINTAS

El ciclo de quintas se obtiene colocando las notas a igual distancia una de la anterior, de manera que aparezcan los doce sonidos posibles:FA-DO-SO-RE-LA-MI-SI-F#-DO#-SOL#-RE#-LA#-

Posición para tocar el piano
  • CICLO DE CUARTAS

Al colocar el ciclo de quintas al reves, osea , el ciclo de cuartas, despues de que no necesita ninguna alteración, la escala de fa ne cesita el Si bemos ,que daría así el ciclo: DO-FA-SIb-MIb-LAb-REb-SOLb-SI-MI-LA-RE-SOL.


ArmadurasPara lograr una escala mayor, desde una nota diferente a do, se tiene que hacer uso de alteraciones adicionales; el conjunto de las alteraciones necesarias para construir una determinada escala mayor se denomina armadura.
La armadura se escribe inmediatamente después de la clave y su efecto es continuo hasta el fin de la obra.La colocación de las alteraciones que componen una armadura viene determinada por el denominado ciclo de quintas.El ciclo de quintas se obtiene colocando las notas a igual distancia una de la anterior, de manera que aparezcan los doce sonidos posibles.
DO-SOL-RE-LA-MI-SI-FA# (SOLb)-DO# (REb)-LAb-MIb-SIb-FA-Partiendo de do como base, la escala mayor que forma no tiene ninguna alteracion , o sea que la armadura estará vacia de sostenidos y bemoles. La próxima nota del ciclo de quintas es sol , esta escala necesitará el f#, o sea que en la armadura se pondrá un sostenido sobre la linea quinta del pentagrama ,donde se pone la nota fa. La próxima nota del ciclo es Re, la escala necesita un f#, y un do# ,en la armadura se pondrán estas dos alteraciones en el fa y en el do.
Al tomar el ciclo al reves o sea en ciclo de cuartas, después de Do que no necesita alteraciones , la escala a partir de fa necesita el Sib , la siguiente dos bemoles, la siguiente tres bemoles etc.
Ciclo de quintas con sostenidos : -DO-SOL-RE-LA-MI-SICiclo de cuartas con bemoles: Fa-Sib-MiB-Lab-Reb-Solb
Para saber en que tonalidad estas: subir un tono del ultimo sostenido que haya en la armadura ,por ejemplo si hay tres sostenidos en la armadura estaras en la ,pues el último sostenido es sol# ,subes una nota y dices que estas en la.
En los bemoles es bajar una cuarta , si tienes tres bemoles ;Sib,Mib,Ab, bajas una cuarta desde la ,sol,fa,mib , luego estas en mib.O el anterior bemol al últimImageno. ARMADURA CON BEMOLES Y SOSTENIDOS
Las notas no naturales tienen dos posibles armaduras una con sostenidos y otra con bemoles; según se use uno u otro nombre enarmónico. La suma de las alteraciones de tonos enarmónicos , será siempre doce y la armadura practicable siempre la que contenga menos alteraciones. En el caso de Fa sostenido y Solb, ambas con seis alteraciones se podrá usar cualquiera de las dos indistintamente
Círculo de quintasA través del ciclo de quintas ascendentes y cuartas descendentes aplicando la estructura interválica a las notas resultantes tendremos todas las posibles tonalidades mayores, y también las menores un tono y medio por debajo.1. C Escala Mayor – Ninguna alteraciónC – D – E – F – G – A – B – C2. G Escala Mayor – 1 sostenidoG – A – B – C – D – E – F# – G3. D Escala Mayor – 2 sostenidos.D – E – F# – G – A – B – C# – D4. A Escala Mayor – 3 sostenidos. A – B – C# – D – E – F# – G# – A5. E Escala Mayor – 4 sostenidosE – F# – G# – A – B – C# – D# – E6. B Escala Mayor – 5 sostenidosB – C# – D# – E – F# – G# – A# – B7. Gb Escala Mayor – 6 bemolesGb – Ab – Bb – Cb (= B) – Db – Eb – F – Gb8. Db Escala Mayor – 5 bemolesDb – Eb – F – Gb – Ab – Bb – C – Db9. Ab Escala Mayor – 4 bemolesAb – Bb – C – Db – Eb – F – G – Ab10. Eb Escala Mayor – 3 bemolesEb – F – G – Ab – Bb – C – D – Eb11. Bb Escala Mayor – 2 bemolesBb – C – D – Eb – F – G – A – Bb12. F Escala Mayor – 1 bemol. F – G – A – Bb – C – D – E – F

Teoria musical: la clave de fa y de sol.

Partituras

Dos claves de sol y de fa

Para tocar el piano con las dos manos necesitamos dos claves. Normalmente el do central lo tocamos con la mano derecha y las notas que vienen hacia abajo ya sean :bajo, triadas (acordes), cuatriadas,o un acompañamiento con bajo y acordes lo tocamos con la mano izquierda.
Los dos pentagramas que se ven son los que escribiré los ejercicios de piano, las melodias o sea todas las partituras.
Este es un ejercicio que he realizado para que veais como van a ir los ejercicion para piano que realizaré.Os explicaré en que tonalidad está y os diré que temas de teoría teneis que repasar.Los dos pentagramas están en clave de sol.
Normalmente una partituras conlleva una seríe de temas de teoría musical y de armonía que hay que tener en cuenta, así sabremos mejor estudiar la partitura que estamos estudiando.
ESTE OTRO ESTA EN CLAVE DE SOL Y EN CLAVE DE FA.

Ejercicio piano media escala. Blog antiguo.

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Del antiguo blog. Aún no sabía poner imágenes en el blog. Recuerdos.
EJERCICIO SENCILLO DE PIANO CON LOS 5 DEDOS

. CLASE DE PIANO-EJERCICIOS CON LOS 5 DEDOS DE LA MANO DERECHA

EJERCICIOS CON LA MANO DERECHA
Son ejercicios para una mano solo , compás 4 por cuatro o sea 4 partes en cada compás
primero haces blancas te pones el metronomo a 70 y sigues: un , dos tres, cua, y ya has terminado el primer compás. Las notas las tienes en el centro del piano : do-re ; do-mi ;do-fa; do-sol
y luego media escala de do con notas negras : do-re-mi-fa-sol-fa-mi-re-do.

USA METRONOMO

TEORIA MUSICAL: NOTAS NEGRAS-NOTAS BLANCAS- PENTAGRAMA LINEAS DIVISORIAS- COMPAS 4/4 – UNA SENCILLA MELODIA QUE ES MEDIA ESCALA.

Para estudiar bien- Mano suelta a pocos cm. del piano- atacas el do blanca con el dedo pulgar y cuentas cuatro (relajate estos 4 tiempos). Mientras atacas el re blanco subes el que tenias en do y haces lo mismo . Repite do blanca re blanca 20 veces.Para atacar la tecla con la mano quieta subir lo dedos y bajar, como dije cuando lo haciais en la mesa.Cuando llegueis a las negras do-re-mi-fa-sol, hacerlo lento y ligando ,quiero decir que no solteis la nota hasta que no haya bajado la siguiente. Esto se llama ligando las notas, que vaya fluida la melodía sin salton ni más fuerte una nota que otra.

Beethoven

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Ludwig van Beethoven (1770-1827)
Se dice que la noche del 16 de diciembre de 1770 una tremenda tempestad se desencadenaba de las Siete Montañas y descargaba su furia sobre la ciudad de Bonn, (Alemania), a las orillas del Rhin; el viento helado azotaba las puertas y ventanas de las casas, en tanto que la lluvia caía pertinaz y torrencialmente.

En una pequeña bohardilla nacía un niño al que su padre, llamado Johann Beethoven, llevaría a bautizar al día siguiente a la iglesia de San Remigio, imponiéndole el nombre de Ludwig, mismo que tenía su abuelo.

Su madre era Magdalena Keverich. Este niño desde pequeño mostró notables disposiciones para la música, por lo cual su padre, tenor de la corte y muy dado a la bebida, obsesionado por el ejemplo de Mozart, quiso hacer de él un prodigio, obligándolo a estudiar desconsideradamente, encerrándolo durante muchas horas y maltratándolo severamente cuando no cumplía con las tareas agobiadoras que le señalaba.
En 1778 lo presentó en Colonia en un concierto de piano, y en 1781 lo llevó a una gira a Holanda, que fue un fracaso. Beethoven recibió lecciones, además de su padre, de Pfeiffer, van der Eeden, Rovantino, los PP. Koch y Zeese; Neefe le hizo estudiar el “Clavecín bien temperado” de J. S. Bach, que en esa época (1781) sólo existía en copias manuscritas, las sonatas de Carlos Felipe Emmanuel Bach, y las de Muzio Clementi.
En el invierno de 1786 visitó Viena, conoció a Wolfgang Amadeus Mozart de quien recibió algunas lecciones, y el cual dijo así a alguno de sus amigos: “Escuchen a este joven; no lo pierdan de vista que alguna vez hará ruido en el mundo”. La enfermedad de su madre lo obligó a volver a Bonn, donde ella murió en 1787.
Así escribía al Dr. Schade el 15 de septiembre de ese año: “Era tan buena conmigo, tan digna de ser amada, mi mejor amiga”. Obligado a hacerse cargo de sus hermanos se vio en la necesidad de pedir el retiro de su padre y a que se le entregara la pensión correspondiente para que no fuese disipada. Las penas y sufrimientos que pasó fueron considerables, sin embargo, encontró un generoso consuelo en la familia Breuning, sintiendo un afecto especial por “Lorchen”, (la gentil Eleonora, a quien dio clases de música, recibiendo en cambio conocimientos de literatura), que se casaría más tarde con el Dr. Wegeler, y con los cuales mantuvo durante toda su vida una estrecha amistad. Asimismo halló un decidido protector en el conde Waldstein, hombre de gran cultura y pianista distinguido, que había ido a residir a Bonn por razones políticas; este personaje después de haber oído a Beethoven, lo proclamó como el heredero legítimo de Mozart y Haydn, y lo ayudó eficazmente para que pudiera radicarse en Viena, recomendándolo ampliamente para que pudiese abrirse camino.
Madre de Beethoven
Abuelo de Beethoven
En 1792 dejó Bonn, ciudad que nunca olvidaría, el lugar de “nuestro padre el Rhin; mi patria, la hermosa región en donde yo vi la luz primera, siempre tan bella, tan clara delante de mis ojos, como cuando yo la dejé”; (Carta a Wegeler, 29 de junio de 1801), “con sus chopos envueltos por la bruma, su maleza, sus sauces, sus árboles frutales”… y sus “Siete Montañas azuladas que dibujan sobre el cielo sus perfiles atormentados, coronados por las esbeltas y bizarras siluetas de los viejos castillos en ruinas”. (Romain, Rolland, Beethoven).
Llegó a Viena en el mes de noviembre, con gran número de obras, (la primera escrita a los diez años), que publicó más tarde, después de haberlas revisado, o que refundió en otras que compuso en esa ciudad. Las recomendaciones que traía le abrieron los salones aristocráticos. Recibió clases de Haydn, Schenck, Salieri (composición vocal), Schuppanzigh (violín), Alberchtsberger y Aloys Föster (escritura de cuartetos y quintetos). Su primer concierto como pianista lo dio el 30 de marzo de 1795; pero no fue sino hasta el 2 de abril de 1800, cuando se presentó ante el gran público presentando su Gran Concierto para pianoforte, su Septuor y su Primera Sinfonía+.
Alcanzó un éxito considerable. Sin embargo, ya Beethoven había experimentado los síntomas de su penosa enfermedad, la sordera, desde 1796. A todos los sufrimientos que había sentido, añadía la tortura física y psicológica de ir perdiendo el sentido más necesario para su profesión.
El mismo año escribió en su Diario Intimo: “¡Valor! A pesar de todas las flaquezas del cuerpo, mi genio triunfará… ¡Veinticinco años! Los tengo ya, y es necesario que en este año el hombre se revele todo entero”.
Ya en esta época los rasgos de su carácter están bien definidos: existe en su alma una bondad sin límites; amor a la verdad y a la humanidad; conciencia de su valor; una tenacidad de férrea que no desmaya ante ningún obstáculo. Por otra parte su sensibilidad se manifiesta en exaltados impulsos de fuerza, de alegría, de tristeza y de profunda melancolía, que arrancan del corazón y que hacen vibrar, con la potencia de su sinceridad, las cuerdas de sus semejantes.
“Beethoven”, ha escrito Aldoux Huxley, “enseñó a la música a palpitar con su pasión intelectual y espiritual”. Y pudiera afirmarse que ya las obras escritas en aquellos días contienen el germen de la nueva aurora de la música: aparece el romanticismo más puro, y no el que “ha seguido palpitando desde entonces con la pasión de los hombres inferiores”.
Entre 1796 y 1800 compone mas de 90 obras, entre las que están la 1a sinfonía (además de la llamada “cero” o “Jena” de dudosa autenticidad), 3 conciertos para piano, seis cuartetos, el Septuor, variaciones, Sonatas (incluyendo la Pathetique), etc. Beethoven decía: “Vivo en medio de la música; en cuanto termino algo, comienzo otra cosa. En la forma que ahora escribo, hago o menudo tres o cuatro cosas a la vez”. El genio afloraba con fuerza, aunque “ya el dolor había llegado a su puerta; se había apoderado de el para nunca mas dejarlo”.
Se señala el año de 1801, como el de la iniciación de lo que se ha llamado el segundo periodo de la obra de Beethoven. Etapa de su vida en que alternaba días felices, con los sufrimientos mas despiadados; las esperanzas mas sonrientes con los desengaños mas desalentadores; el optimismo y el pesimismo, todo ello dentro de la taladrante realidad de una sordera progresiva e incurable. De 1801 data su pasión por Giulietta Guicciardi, a quien inmortalizo con la dedicatoria de su Sonata “Quasi una fantasia”, que será más tarde sobrellamada “Claro de Luna”. Pero de este ultimo año, (6 de octubre) fue su “Testamento de Heiligenstadt”, en el que declara: “La experiencia de estas cosas me puso pronto al borde de la desesperación y poco faltó para que yo mismo hubiese puesto fin a mi vida. Sólo el arte me ha detenido. ¡Ah! Me parecía imposible abandonar este mundo antes de haber realizado todo lo que me siento obligado a realizar. ¡Oh Dios, Tú miras desde lo alto en el fondo de mi corazón, y lo conoces, sabes que en él moran el amor a los demás y el deseo de hacerles el bien! Vosotros, hombres, si leéis un día esto, pensad que habéis sido injustos conmigo… hizo cuanto estaba a su alcance para ser admitido en el rango de los artistas y de los hombres de elección”.
“Al día siguiente de la violenta crisis de Heiligenstadt”, escribe Edouard Herriot, “la 2a Sinfonía”, ejecutada por primera vez el 5 de abril de 1803, “no traduce ninguna debilidad… las proporciones mismas de la obra, atestiguan el vigor de ese genio indomable que rehúsa sacrificar a las exigencias de la moda la abundancia y la originalidad de sus ideas”.
Este llamado segundo periodo, al que se le señala como límite el año de 1814, comprende la producción de cerca de 150 obras: incluye hasta la octava Sinfonía; en las sonatas para piano hasta la opus. 90; en los cuartetos hasta el XI opus 95; el concierto para violín, el 5o concierto para piano, la ópera “Fidelio”, lieder, romanzas, tríos, etc.
La 3a sinfonía estaba dedicada a Napoleón Bonaparte. Una anécdota, relatada por Fernando Ries, discípulo de Beethoven, dice así: “La sinfonía estaba sobre la mesa. La primera página contenía dos nombres: arriba, ‘Bonaparte’; debajo, ‘Beethoven’. Ni una palabra más. Ignoro si la laguna debía llenarse. Fui el primero que anunció al maestro la nueva de que Bonaparte se había proclamado emperador (18 de mayo de 1804). Enfurecido Beethoven, exclamó: “¡No es más que un hombre vulgar! ¡Sólo satisfará su ambición y como tantos otros hollará los derechos del hombre para ser un tirano!” Se dirigió hacia la mesa, arrancó la primera página del manuscrito y la arrojó al suelo. Después escribió un nuevo título: Sinfonía Eroica”.
En 1821, cuando murió Napoleón, Beethoven dijo: “Hace diecisiete años que compuse su oración fúnebre”. Esta 3a sinfonía fue tocada por primera vez el 7 de abril de 1805. En ese mismo año estrenó su ópera Fidelio.
En 1806 compuso la 4a sinfonía, que algunos críticos han creído que fue inspirada en el amor de Teresa de Bruswick, aun cuando otros musicógrafos han investigado minuciosamente el supuesto amor de Beethoven, y lo han rechazado categóricamente calificándolo como un infundio, basado en un relato de dudosa autenticidad publicado en 1890 y narrado por Mariam Tengert, que se decía confidente de Teresa. De 1806 son los tres Cuartetos opus 59, el Concierto para Violín y la sonata “Appasionata”. (Para un estudio de las sonatas de Beethoven, ver artículo por Manuel Alejandro)
En 1807 compone la 5a Sinfonía, cuya primera ejecución tuvo lugar el 22 de diciembre de 1808, y que es, seguramente la más tocada en la actualidad. Aunque no es absolutamente seguro, dícese que Beethoven expreso del primer tema de esta obra: “Así llama el destino a nuestra puerta”. Berlioz escribió de ella: “es la primera en la cual Beethoven ha dado libre curso a su vasta imaginación… es su pensamiento íntimo lo que va a desarrollar, sus dolores secretos, cóleras reconcentradas, melancólicos ensueños, nocturnas visiones, ímpetus de entusiasmo…”
En la misma fecha que la quinta, fue estrenada la sexta, llamada “Pastoral”. Beethoven se encargó de poner los siguientes subtítulos a cada tiempo:
Despertar de apacibles sentimientos al llegar al campo.
Escena junto al arroyo
Alegre reunión de campesinos
Tempestad
Canto de pastores. Alegres y agradecidos sentimientos después de la tempestad (Aunque él mismo aclara: “Expresión de sentimientos, mejor que pintura”)
Esta sinfonía da testimonio del amor que sentía hacia la naturaleza; escribió en uno de sus cuadernos íntimos en 1815: “Dios Todopoderoso, soy feliz en la selva donde cada árbol habla por ti”.
La 7a Sinfonía fue iniciada hacia fines de 1811 o principios de 1812: cuatro años que la separan de la 6a, pero en este intermedio compone obras tan importantes como el 5o concierto para piano “El Emperador”, los cuartetos X y XI, la obertura “Egmont”, las sonatas op. 78 y 81, etc. Esta 7a sinfonía fue calificada “como un milagro del genio”, y Wagner la llamo “la apoteosis de la danza”.
La 8a sinfonía es una de las obras más juguetonas y alegres de Beethoven, pero revela una técnica magistral: desde el primero hasta el último compás corre por esta obra una gracia flexible, gallarda y ondulante que cobra agilidad en el último tiempo; mientras que en el “Allegretto scherzando” recuerda la invención del metrónomo, debida a Mälzel.
En el lapso que hemos comentado la fama de Beethoven creció hasta su máximo. Cuando se efectuó el Congreso de Viena era el hombre más popular. Escribía a su amigo Amenda: “En tus cartas no necesitas poner más dirección que mi nombre” (Esto sin contar con que se cambiaba constantemente de casa). Era asistente habitual a los paseos del “Prater” y sus caminatas por lo que actualmente se llama “Sendero Beethoven” eran conocidas por todos. En 1815 fue honrado por Viena con la “ciudadanía honoraria”.
De 1811 data su último ensueño amoroso: cortejó a la bella cantante Amelia Sebald, que se casó más tarde con un consejero de Estado. En la vida amorosa de Beethoven se señalan, además de las anteriormente citadas: una “bonita y alegre rubia” por la que en su juventud sintió un amor “Wertheriano”, Teresa Malfatti, con la que pensó contraer matrimonio, como lo comprueba una carta fechada el 2 de mayo de 1810 en la que solicita al Dr. Wegeler, documentos personales para ese fin, y el pedimento hecho a través de su amigo Gleichenstein al padre de Teresa y que recibió como contestación la siguiente observación de un tío de la propia interesada: “Beethoven es un hombre muy torpe de entendimiento, aunque puede ser el más grande de los genios”. Bettina Brentano a quien el maestro conoció en 1810, y la cual llegó hasta el grado de hacer públicas dos cartas sin fecha de las que hasta ahora no se han encontrado los originales (no obstante que ella aseguraba que se encontraban entre su valiosa correspondencia como reliquias sagradas). A los 43 años renunció a su anhelo hogareño, no sin apurar antes la copa de la amargura, de la decepción y aún de la burla, aunque conservándose siempre en un plano de dignidad e idealismo.
Konzerthalle en Augarten, Viena
Datos acerca de su aspecto físico lo señalan así: “Era bajo, moreno, con el rostro achatado y picado de viruelas, la boca delicada, con el labio inferior saliente y hoyuelo profundo en el mentón; sonreía bondadosamente y había en su conversación, a menudo, un tono amable y alentador. En cambio su risa era desagradable, violenta y gesticulante, rápida” (Moscheles). Cuando se le sorprendía sentado al piano, “Los músculos de su rostro se le saltaban, sus venas se hinchaban, los ojos salvajes se hacían dos veces más terribles “(Klöber). “Sus ojos parecían que cambiaban de color: en ocasiones se veían grises, azules o verdes”.
:
¡Alegría! El más bello fulgor divino…
Todos los hombres serán hermanos…
¡Un abrazo confunda al mundo entero!
¡Hermanos, sobre la bóveda estrellada
debe morar un Padre amante!”
Cuando llega a su clímax el “Adagio molto e cantabile” de la misma obra, (el tercer movimiento), el propio compositor ha de detener su vuelo para no llevarnos a la postración más aniquiladora después del camino que nos ha hecho recorrer para llegar a esas alturas raramente alcanzadas.
En 1826, Beethoven fue operado para curarlo de hidropesía; no volvió a mejorarse. Cerca de las seis de la tarde del 26 de marzo de 1827, exhalaba su último aliento: en ese momento estallaba una violenta tempestad sobre la ciudad de Viena. Podría decirse, sin que queramos con esto recurrir a una metáfora vulgar, que el rayo que anunció su nacimiento, extendía, a su muerte, los truenos de su música inmortal.
Más de veinte mil personas se reunieron para acompañarlo a su última morada. Grillpazer, al terminar la oración fúnebre, dijo: “Éste por quien llevamos luto, se encuentra desde ahora en adelante, entre los grandes de todos los tiempos. Recordemos esta hora y pensemos: estábamos allí cuando le enterraron, y, cuando él nos dejó, lloramos”.
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Más datos  FUENTES

Iniciación al jazz

Partituras

Iniciación al jazz

INICIACION AL PIANO JAZZ

Este método se dirige a los pianistas y teclistas que quieran tener conocimientos en el tema y sobre como tocar.
Hay una armonía básica que yo la iré explicando en mi blog. Luego se estudian los acorde de séptima y su uso.
En
mi curso de piano iré poco a poco con los acordes: primero las triadas
que son acordes de tres notas, luego las cuatriadas que son acordes de
cuatro notas de ahi vienen los acorde de séptima.

Es un libro sencillo en el que se practican bastante los acorde de séptima, con varios ritmos.
Además lle va u cd que podrás tocar el piano con otros instrumentos de acompañamiento.
Lo encontraras en tiendas especializadas de música de jazz, si no lo tienen les dices que te lo pidan .
En internet pinchas partituras y te saldran tiendas que lo venden tambien.
Lo recomiendo para los que empiezan.

Posición de los dedos en el piano

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Cuando comenzaba a estudiar piano  ( a retomarlo después de 30 años sin estudiar)  explicaciones primeras del piano en el blog antiguo

IR A: posicion de los dedos en el piano

El dedo pulgar es el dedo 1 tanto en la mano derecha como en la izquierda. Los demás dedos el número se ve en la imagen.

La mano se pone horizontal al piano a muy poca altura. Rela jados los dedos y las manos en general. No hacer ningún esfuerzo pues son los dedos los que golpearan las teclas .

Hacer ejercicios levantando el pulgar y bajandolo varias veces, sin tocar ninguna tecla.
Hacer lo mismo con los demás dedos. Este ejercicio primero , hacerlo muchas veces pues es lo que hareis cuando tengais que tocar las teclas. En una mesa bajar y subir los dedos tocando la mesa,primero el pulgar y después los demás, asi cogereis destreza y fuerza (suave esta fuerza).
Las manos y brazos no se menearan y estarán relajadas de tal forma que si cojeis la mano izquierda con la derecha y la soltais que no se paré en su caída.Es muy importante no estar en tensión con la manos y brazos si es así no lograreis sacar notas agradables y fluidas.

Ahora así voy a aprender y a enseñar  piano poco a poco

La música es salud

Partituras

La música es saludable.
Un estudio cientifico revela la importancia de la música
El estudio desprende que es tan importante como comer o respirar

[Universidad de Mexico]

Uno
de los retos del filósofo y musicólogo Luc Delannoy consiste en
”demostrar científicamente que la música es indispensable para la
sobrevivencia del ser humano. Tanto como respirar y comer”. Para ello,
desde hace 15 años se adentró en el estudio y la aplicación de las
neurociencias, en específico de la neuromusicología, campo que permite
entender cómo funciona el aprendizaje y proponer métodos de enseñanza
distintos, así como evitar problemas físicos, motores o neurológicos.

Sax ha inventado el Saxofón

Partituras

fotos.miarroba.comHijo de un fabricante de instrumentos musicales, Antoine Joseph Sax,
conocido por Adolphe Sax, nació en Dinant, Bélgica, el 6 de noviembre de
1814. Iniciado desde muy joven en la fabricación de instrumentos y en
la interpretación del clarinete, percibe las imperfecciones de éste y se
dedica a remediarlas.

Un ideal obsesionaba a Sax mientras
dirigía el taller de su padre: inventar un instrumento de viento que por
el carácter de su voz pueda aproximarse a los instrumentos de cuerda,
pero que tenga más fuerza e intensidad”(1)

Trabajando sobre
modificaciones para lograr una mayor calidad de sonido y resolver
algunos de los problemas acústicos del clarinete, Sax construye lo que
hoy se conoce como Saxofón.

“Mejor que cualquier otro
instrumento, el saxofón es susceptible de modificar su sonido a fin de
poder dar las cualidades que convengan o de poder conservar una igualdad
perfecta en toda su extensión. Lo he fabricado -añade el inventor- de
cobre y en forma de cono parabólico. El saxofón tiene por embocadura una
boquilla de caña simple. La digitación es como la de la flauta y la del
clarinete. Por otra parte, se le pueden aplicar todas las digitaciones
posibles”(2)

En los primeros años era el propio Sax quien
ejecutaba el saxofón. En 1841, en la ciudad de Bruselas, tocó el saxofón
bajo por primera vez ante público.

En 1842 el joven fabricante
llega a París con su saxofón embrionario, recibiendo una cálida acogida
de parte de importantes compositores. Tras constantes trabajos para
perfeccionarlo, la familia de saxofones fue patentada en París, el 28 de
junio de 1846.

Héctor Berlioz compuso en 1844 la primera obra
conocida para saxofón: el sexteto Canto Sagrado, estrenada el 3 de
febrero del mismo año en la sala Hertz, bajo la dirección del propio
Berlioz y con Adolfo Sax interpretando la parte de saxofón. El
entusiasmo de Berlioz por la sonoridad del nuevo instrumento quedó
expresado en un trabajo que publicó en 1842 en el Journal des Debats y
que señala:
“es de tal naturaleza que que no conozco ningún
instrumento actualmente en uso que pueda comparársele, a ese respecto.

Es pleno, blando, vibrante, de enorme fuerza y susceptible de endulzar” Y
concluyó en estos términos:
“Los compositores le deberán mucho al
señor Sax, cuando sus instrumentos alcancen un uso general. Que
persevere; no le faltarán los estímulos de los amigos del arte”.(3) Pero
no sólo Berlioz tuvo frases elogiosas para el saxofón.
Rossini, tras oírlo en 1844 expresó: “Nunca he escuchado nada tan bello”(4)
Mayerbeer, por su parte, señaló: “Es este para mí el ideal del sonido”.(5)

El
saxofón comenzó a aparecer en composiciones sinfónicas y operísticas de
la época, por solo mencionar algunas podemos citar: Le Dernier Roi de
Juda, de Georges Kastner (1810-1867), estrenada en 1844; Hamlet de
Ambroise Thomas (1811-1896), creada en 1868; El rey de Lahore y La
Virgen, de Jules Massenet (1842-1912), en 1877 y sobre todo La
Arlesiana, de Georges Bizet (1838-1875), en 1872, donde alcanzó gran
éxito.

El interés que despertaba el nuevo instrumento acarreó a
su inventor múltiples sinsabores frente a la reacción de otros
fabricantes de instrumentos e incluso de intérpretes, que veían en la
aparición del saxofón un peligro. A pesar de ello las bandas militares
acogieron entusiastamente al saxofón desde 1845 y tras breves años de
exclusión provocado por cambios de régimen en Francia, resurge
nuevamente en esas formaciones en 1853, al punto de que Adolfo Sax fue
nombrado, en 1854, “fabricante de instrumentos musicales de la Casa
Militar del Emperador”.

En 1857 se crearon cátedras especiales
para integrantes de las bandas militares en el Conservatorio de París,
abriéndose la clase de saxofón, encargada a Adolfo Sax. Entre 1857 y
1870 se formaron en ella 130 saxofonistas. Se compusieron más de treinta
obras como piezas de concurso del Conservatorio, escritas en su mayoría
por Jean Baptiste Singelée y Jules Demerssemann. Otros compositores que
crearon piezas para saxofón en la época fueron Cressanois, Savari,
Petit, Genin, Signard y Colin, la mayoría de ellos directores de bandas.
Las obras escritas para saxofón a fines del siglo XIX eran
fundamentalmente fantasías y variaciones sobre temas diversos
(especialmente de óperas)

Razones financieras provocaron el
cierre de la clase de saxofón creada por Sax en 1870, pese a la protesta
de Thomas, en ese entonces Director del Conservatorio.

Ese
hecho influyó negativamente al desarrollo del saxofón, ya que sin
virtuosos un instrumento musical no puede imponerse y ello lo demuestra
la escasez de obras entre 1905 y 1930.

Un papel esencial en la
creación de un repertorio para saxofón a comienzos del siglo XX
corresponde a Elise Hall, nacida en Francia en 1853 y casada con un
eminente médico norteamericano.

Por razones de enfermedad,
(tenía una deficiencia auditiva y fue aconsejada por los médicos a
estudiar un instrumento de viento) comenzó a estudiar saxofón a los 47
años, dedicando su vida a desarrollar el Club Orquestal de Boston y a
difundir el instrumento que amaba.

En tanto jefa benefactora del
Club, comisionó cerca de 20 obras para saxofón, de entre las que se
destacan: la Rapsodia, para orquesta y saxofón alto, de Claude Debussy
(1903-1905)), La Coral Variada, de Vincent d’Indy (1903) y la Leyenda
Op. 66 de Florent Schmitt (1918), por solo citar las más afamadas entre
otras de diversos compositores, tales como Loeffler, Gilson, Caplet,
etc.

Fue con notable desgano que Debussy recibió el encargo de
escribir una obra para saxofón. Elise Hall era persistente. En 1904 tocó
en París la Coral Variada, de D’Indy y Debussy declaró que resultaba
ridículo ver a una mujer vestida de rosado tocando un instrumento
difícil de manejar.

En una carta a su amigo Pierre Louys se
excusa por la demora en escribirle, por su preocupación con la
composición de un trabajo que describe como una Fantasía, que le habían
pagado un año antes y que se había comido ya. Durante algunos días
escribió: ” Dado que esta Fantasía ha sido encargada, pagada y comida
desde hace un año, me parece que estoy retrasado… El saxofón es un
instrumento de caña cuyas costumbres no conozco bien. ¿ Ama el romántico
dulzor de los clarinetes?” Un año después escribió:

“Mrs E.
Hall, la Mujer-Saxofón, me reclama cortesmente su Fantasía, quisiera
contentarla, pues merece una recompensa por su paciencia”.

En otra carta a Messager, elogia la permanente paciencia de la Mujer-Saxofón:
“La
tenacidad de los americanos es provervial y la dama del saxofón ha
desembarcado hace ocho o diez días en París, calle Cardinet 58,
requiriéndome noticias de su trozo. Naturalmente, le aseguré que,
después de Ramsés II, eso era lo que más ocupaba mi atención. No
obstante, he tenido que dedicarme a la tarea y héme aquí buscando
desesperadamente combinaciones, las más inéditas y apropiadas al intento
de destacar ese instrumento acuático…” (7)
La persistencia de la
Sra Hall fue finalmente recompensada con una obra que para siempre
preservó su nombre en la música, porque lleva la inigualable marca de
Debussy y la altura de sus poderes evocativos.
Sax murió en París en
1894. Su muerte, sumada a la de sus principales aliados (Berlioz,
Kastner,…), provocó un letargo para el saxofón.<>

Los Brincos

Partituras

).fotos.miarroba.com
fotos.miarroba.com

Los Brincos, grupo musical español de los 60.

El grupo se creó en 1965. Sus componentes fueron Fernando Arbex, Manuel González, Juan Pardo y Antonio Morales (Junior). Fueron conocidos como Los Beatles españoles de ahí que el grupo se parezca fonéticamente al grupo inglés, en un principio se pensó en bautizar al grupo Las ovejas negras. Todos sus discos fueron números uno en las listas.

Juan y Antonio se separaron 2 años más tarde para formar el grupo Juan y Junior.

Los nuevos Brincos se recompusieron con las entradas de “Ricky” Morales y Vicente Jesús Martínez, procedentes ambos del grupo Shokers.

Más tarde Vicente Jesús también abandonaría la formación sustituyéndolo Miguel Morales, hermano de Junior.

En los años 2000 volvieron a aparecer Los Brincos, esta vez de la mano de Arbex y Miguel Morales. Se dedican a tocar sus grandes éxitos en diferentes galas y festivales.

Discografía
Flamenco (1964),
Borracho (1965),
Tu me dijiste adios (65),
Un sorbito de champagne (1966)
Lola(67),
Nadie te quiere ya(67),
Oh mamá(69).